Por mais de meio século, “Cabaret” – o icônico musical americano ambientado na Alemanha nazista – foi produzido, revivido e revivido novamente. Esta história, que aborda trabalho sexual, aborto e uma protagonista feminina complexa em Sally Bowles, tem falado ao público geração após geração.
Mas outro elemento da produção permaneceu fiel quase ao mesmo tempo: na Broadway, “Cabaret” foi dirigido exclusivamente por homens. Até agora.
O último revival – “Cabaret at the Kit Kat Club” – acaba de estrear no August Wilson Theatre. Pela primeira vez na história da Broadway, é dirigido por uma mulher: Rebecca Frecknall, de 38 anos. E está a ser encenada no meio de um cerco histórico aos direitos das mulheres.
Como alguém que teve a sorte de ver o espetáculo na noite de estreia, posso atestar que, nesta produção – mais do que em qualquer outra que já vi – os paralelos entre a experiência de Sally e a das jovens de hoje são fantásticos. Mas com base nas críticas de alguns críticos convencionais, você pensaria que a parte mais política do show é o schnapps de cereja distribuído quando você chega.
Já vi e adorei outras produções de “Cabaret”; Sally, em particular, há muito tempo é justamente considerada uma marca d’água para mulheres autênticas e cheias de nuances no palco. O papel foi chamado o “Hamlet feminino do teatro musical” por um bom motivo.
Mas sob a direção de Frecknall, Gayle Rankin incorpora poderosamente o que é inegavelmente uma Sally de 2024. Quando ela canta o número do título do show (que ocorre nesta produção após o aborto da personagem nos bastidores), vemos uma Sally moderna: crua e real; mais do que provavelmente em dor física e emocional. Ela não canta, dança ou existe para agradar aos outros – incluindo, deve ser dito, nós na plateia. Em vez disso, vemos uma mulher que, apesar de tudo, escolheu a si mesma. Uma mulher que escolheu sobreviver.
Não faltam mulheres lendárias retrataram Sally Ao longo das décadas. Mas hoje, me identifico mais com esta Sally do que com qualquer outra que existiu antes. E com certeza, em conversas que tive com outras jovens, o desempenho de Sally por Rankin afetou profundamente cada uma delas.
Todos partilhamos a experiência de sermos forçados – ou de sabermos que poderíamos ser forçados a qualquer momento – a tomar esse tipo de decisão impossível. Todos partilhamos uma profunda gratidão por essa escolha ser, por enquanto, nossa responsabilidade. E ao carregarmos esses sentimentos contraditórios, estamos todos cansados de fazer cara bonita e fingir que está tudo bem. É por isso que esta Sally se sente como a nossa Sally.
É também por isso que fiquei tão confuso ao ler as reações críticas a esta produção. Certas críticas se concentraram nos aspectos técnicos do desempenho de Rankin, reclamando da energia caótica, da falta de polimento e de um tom inquietante. Não importa se esse é o ponto.
Como qualquer arte, os musicais podem ser experiências intensamente subjetivas; não deveria ser surpresa que alguns críticos não pudessem se ver em Sally da mesma forma que eu. E ainda: não é preciso uma perspectiva feminina para entender isso na esteira de Dobbsas jovens americanas estão vendo esta história sob uma nova luz.
Então, quando um crítico ignora a ressonância que esta Sally autêntica e sem remorso tem com as mulheres da minha geração, fico pensando: Estamos vendo o mesmo show? Eles estão saindo com a mesma mulher? Vivemos no mesmo planeta?
Isto é familiar para as mulheres: a implicação de que as nossas perspectivas não são a verdade objectiva. Que a nossa dor não é real, ou pelo menos não é palatável. Que nossas escolhas não devem ser intencionais – algo que Frecknall teve que experimentar enquanto os críticos do sexo masculino se tornavam poéticos sobre o que “Cabaret” realmente deveria ser.
Felizmente, nem todo jogador poderoso da Broadway se sente assim. John Kander, que compôs “Cabaret”, descreveu elementos desta produção como “incrivelmente reinventado.” Muitos críticos mais jovens e membros do público entendem e elogiaram Rankin pelo mesmo realismo que outros rejeitaram. Sem mencionar a alegria palpável na sala quando esse conjunto gênero queer e sexualmente liberado sobe ao palco.
No entanto, a reacção a “Cabaret at the Kit Kat Club” serve como um duro lembrete de quanto trabalho ainda resta a ser feito para que a Broadway se torne verdadeiramente o bastião do progressismo que tantos dos seus clientes acreditam que seja.
É por isso que achei tão gratificante co-produzir outros espetáculos da Broadway que derrubam as noções tradicionais sobre como é o teatro e quem participa dele. Cada vez que uma produção como “A Strange Loop” ou “My Son’s a Queer” estreia, a sabedoria convencional da indústria é desafiada, e aqueles que historicamente foram deixados de fora dessa sabedoria convencional ganham um espaço para se reunirem.
Antes de pedir Fraulein Schneider em casamento, Herr Schultz diz a ela: “Estamos vivos. E de que adianta isso sozinho?”
Essa é a beleza desta produção – e do teatro ao vivo. Isso nos une e nos faz sentir vivos. Ao nos dar uma Sally que parecia real – de um diretor que a entende no nível mais profundo – “Cabaret at the Kit Kat Club” nos lembra que somos diferentes de Sally em um aspecto importante: não estamos sozinhos.
Meena Harris é advogada, autora e produtora de livros infantis. Seus créditos de coprodução na Broadway incluem “Suffs”, “A Strange Loop”, “Death of a Salesman”, a próxima produção da Broadway de “My Son’s A Queer”, bem como parceira de impacto com “& Juliet.”
