Michel Hazanavicius, o diretor vencedor do Oscar por “O Artista”, faz sua primeira incursão na animação com “A Mais Preciosa das Cargas”, que estreia mundial no Festival de Cinema de Cannes em 24 de maio. Adaptado do romance best-seller de Jean-Claude Grumberg, “ The Most Precious of Cargoes” é o primeiro longa de animação a disputar a Palma de Ouro desde “Waltz With Bashir”, de Ari Folman, em 2008; e será o último filme assistido pelo júri da competição, presidido por Greta Gerwig, antes da cerimónia de encerramento.
Hazanavicius desenvolveu o projeto durante anos e escreveu o roteiro com Grumberg, além de criar os desenhos. O compositor vencedor do Oscar Alexandre Desplat criou a trilha sonora original. O drama entrelaça o destino de uma família judia, incluindo gêmeos recém-nascidos, deportados para Auschwitz, com o de um casal de lenhadores pobres e sem filhos que vive nas profundezas de uma floresta polonesa. No trem para o campo de extermínio, o jovem pai envolve uma de suas gêmeas em um xale e a joga na neve do trem. A solitária lenhadora, observando os trens passarem na esperança de que deixem alguns recursos para trás, tropeça na “carga” e descobre a menina. Ela decide levá-la para casa.
“The Most Precious of Cargoes” é coproduzido e representado internacionalmente pela Studiocanal, que lançará o filme na França em 20 de novembro. É produzido por Patrick Sobelman e Robert Guédiguian no Ex Nihilo da França, bem como Florence Gastaud e Hazanavicius no Les Companheiros de Cinema. Jean-Pierre e Luc Dardenne estão coproduzindo através de seu selo Les Films du Fleuve. Hazanavicius falou com Variedade antes da estreia mundial do filme para discutir seu apego pessoal à história, seu apelo atemporal e temas universais.
Você me contou sobre esse projeto pela primeira vez há vários anos. Como tudo aconteceu?
Michel Hazanavicius: Tudo começou há cinco anos e meio, com o livro homônimo de Jean-Claude Grumberg… embora quase se possa dizer que começou quando eu nasci, já que Jean-Claude era o melhor amigo dos meus pais desde os 16 anos. antes de o livro ser publicado, Robert Guédiguian deu-o ao (produtor) Patrick Sobelman. Este último e o Studiocanal me procuraram para ver se eu estaria interessado em transformá-lo em um filme de animação. Hesitei um pouco por isso mesmo, porque é uma animação, e também porque é uma história relacionada com o Holocausto, que me pareceu tão assustadora. Mas, em última análise, a história é imensamente bela e, depois de falar com Jean-Claude, eu sabia que tinha que embarcar.
A animação do filme parece singular. Como você criou essa estética?
MH: É 2D com desenhos reais. É minha primeira paixão, pois desenho desde os 10 anos, então desenhei todos os personagens. Fui inspirado principalmente pelos primeiros filmes da Disney. Mas depois, juntamente com o meu diretor artístico Julien Grande, mudamos um pouco. Investimos na pintura, misturando-a com gravuras japonesas que têm áreas planas, por isso é mais adequada à animação e a esse sentimento literário. Há certas imagens que parecem belos livros ilustrados da década de 1930. Esse é o estilo que eu queria criar.
Como o cenário histórico do filme ressoa em você?
MH: A história ecoa uma experiência familiar muito pessoal, pois sou filho judeu de sobreviventes do Holocausto da Europa Oriental – Polónia, Ucrânia, Lituânia. Meus avós sobreviveram a Auschwitz, mas não membros de sua família e amigos.
Você cresceu ouvindo histórias sobre os campos de extermínio?
MH: Claro, e com a visão de pessoas que sobreviveram, histórias de pessoas que escaparam, que foram levadas, outras que morreram. Eu também nasci no final dos anos 60 e foi nessa altura que surgiram os primeiros revisionistas e surgiram os trabalhos de Robert Paxton. Isto significou que, de repente, houve uma espécie de estabelecimento da História onde os sobreviventes, em particular, que praticamente não se falavam desde que regressaram dos campos de extermínio, começaram a falar, a partilhar os seus testemunhos.
O filme é realmente importante porque mostra essa parte da História, especialmente nos tempos conturbados de hoje e na ascensão do anti-semitismo, não é?
MH: Sim, estou feliz que exista. Mas a minha intenção não era fazer um filme sobre o Holocausto. É realmente a magnificência desta história que me levou a uma aventura, que acabou por ser extremamente pesada em termos de produção, tempo, investimento, etc. Mais uma vez, não é um filme de pregação, nem um filme sobre as vítimas nem sobre o algozes. É sobre pessoas que salvaram vidas. Vemos uma linda corrente de solidariedade, de amor que se põe em movimento para salvar a vida de uma menina. Você não chora porque é triste, mas porque é lindo.
Sim, é uma bela história, na verdade uma fábula…
MH: Digamos que seja uma variação do conto tradicional, porque é mais venenoso que um conto de fadas, mas também mais bonito e mais forte. De certa forma, tive a sensação ao ler o livro, que aquela história sempre existiu, como um clássico instantâneo, que é a sensação que tentei recriar no filme. Mas para mim, a história é o que eu chamaria de “ultra-ficção”. Ele empresta códigos de contos de fadas, começando com “era uma vez em uma floresta, havia um lenhador, a esposa de um lenhador”, então você é imediatamente jogado em um conto de fadas clássico. Mas então, à medida que a história avança, o filme leva você à Gare de l’Est (em Paris), quando você tem carros, etc., e fica claro que você está na vida real.
Essa ludicidade entre ficção e realidade é realmente interessante…
MH: Sim, foi isso que realmente me interessou e foi por isso que me envolvi. Hoje, Auschwitz, para um rapaz de 20 anos, está muito, muito longe; é uma história antiga. Não existe mais vínculo emocional com essa parte da história, e como os últimos sobreviventes do Holocausto estão desaparecendo, em breve não haverá testemunhos orais do que aconteceu. Por isso gostei da ideia de fazer um filme que passasse da ficção à realidade, para contar a história com um grande ‘H’. Como contadora de histórias, adoro contar histórias que me tocam, e a realidade, a verdade são coisas que gosto de explorar no meu trabalho.
Se não me engano, a palavra judeu nunca é mencionada no filme. Isso foi uma escolha ou foi o mesmo no livro?
MH: No livro, o autor teve que pronunciar a palavra judeu, pois o narrador fala de forma subjetiva. Com o filme sigo uma estrutura narrativa e por isso tive que reajustar elementos, dar uma nova vida aos personagens. Mas adorei a forma como o povo judeu é chamado de ‘The Heartless’ no livro, pois é um conto de fadas. Retratei judeus usando manchas amarelas no filme, mas não precisei dizer a palavra “judeu”. No final, a beleza desta história – e de qualquer conto de fadas – é que ela é universal. A mensagem de Grumberg é: “Você tem que amar todas as crianças”. Seu tanto quanto de qualquer outra pessoa. Não é uma história judaica, mas uma história que diz respeito a todo o mundo, tal como o Ruanda diz respeito a todos.
“A Zona de Interesse”, de Jonathan Glazer, também trata do Holocausto através de um prisma incomum.
MH: Bom, é literalmente impossível mostrar a realidade dos acampamentos, mas no meu caso, tive a vantagem de usar animação, que oferece alguma liberdade e permite usar o simbolismo, para sugerir, ao invés de mostrar.
Quão desafiador foi financiar um filme de animação com esse tema?
MH: Começamos antes da COVID e a pandemia suspendeu o projeto porque não conseguimos financiá-lo totalmente. Os distribuidores tiveram que lidar com um acúmulo de títulos aguardando lançamento e não podiam mais investir. Então suspendemos o projeto. Esse pequeno parêntese me deu a oportunidade de fazer “Coupez” (“Final Cut”) que foi ótimo. Então voltei para este filme.
Alexandre Desplat criou uma trilha sonora magnífica. Como você trabalhou com ele?
MH: Ele esteve a bordo desde o início. Ele estava totalmente comprometido o tempo todo e conversamos muito. Ele é extremamente delicado, na forma como aborda a música e se alimenta de muitas coisas. A música desempenha um grande papel na ancoragem dos momentos dramáticos do filme, principalmente porque há muito pouco diálogo.
Você ainda tem um agente nos EUA?
MH: Sim, embora eu não esteja particularmente procurando emprego nos EUA.
Você não tinha projetos com estrelas dos EUA anexados?
MH: Sim, tive um projeto com Tom Cruise e outro com Will Ferrell. Houve dois projetos de comédia muito bons, mas fracassaram. Trabalhar com estúdios é complicado para mim. Preciso de controle total e mal posso esperar que os chefes do estúdio aprovem cada decisão. Não funciona. Dito isto, o setor independente dos EUA talvez fosse mais adequado para a forma como trabalho. Se algo acontecer, então por que não? Existem atores americanos maravilhosos, e a mitologia de Hollywood é absolutamente fascinante e maravilhosa. Mas se eu tiver que sacrificar a forma como trabalho, então não é para mim.
Qual é o próximo? Uma comédia?
MH: Não necessariamente. Em primeiro lugar, vou esperar e ver como este será recebido. Sempre tenho a sensação de não estar muito sintonizado com o mercado. Um pouco no limite. Vou ver como vai e torcer pelo melhor.
