Os candidatos aos prêmios deste ano apresentam muitas cenas com diálogos rápidos, discursos poderosos, sequências de ação espetaculares e números musicais de arregalar os ouvidos. Mas muitos dos momentos mais poderosos foram aqueles que se desenrolaram sem uma palavra.
Em “Vidas Passadas”, a roteirista e diretora Celine Song conta a história de namorados de infância sul-coreanos que se reencontram após anos separados. Ela frequentemente comunica seu desejo mútuo usando o silêncio da mesma forma que um compositor utilizaria um instrumento específico.
“Eu realmente acredito que um filme é uma peça musical”, diz Song. “Portanto, todo o filme tem que se mover como uma peça musical. Muito disso tem a ver com o ritmo.”
Song indica que seu trabalho como dramaturga a preparou para esse tipo de momento. “Estou acostumada a incorporar batidas e silêncios em meus próprios roteiros, então todos os silêncios foram planejados”, diz ela.
Os dois personagens principais, Nora (Greta Lee) e Hae Sung (Teo Yoo), não se viam desde que eram crianças, antes de Nora partir para o Canadá e depois para Nova York. Quando eles se reencontram como adultos, há muito a ser dito, mas sua incapacidade – ou falta de vontade – de expressar verbalmente seus sentimentos simultaneamente os mantém distantes um do outro e os une com mais força.
“Há um nível em que isso deve ser desconfortável. É para parecer que essas duas pessoas não são do mesmo mundo – e não são”, diz Song. “Da forma como esses silêncios têm que funcionar, precisamos saber o que foi dito antes e depois. Não existe uma linguagem literal, mas existe a linguagem que está acontecendo em suas performances, em seus rostos.”
Momentos não ditos também desempenham um papel importante no roteiro de David Hemingson para “The Holdovers”, do diretor Alexander Payne. A história de um professor (Paul Giamatti), um aluno (Dominic Sessa) e um chefe de cafeteria (Da’Vine Joy Randolph) presos juntos no campus de seu internato na Nova Inglaterra durante as férias apresenta longas cenas sem diálogos que evidenciam como os personagens se comportam quando acreditam que ninguém os está observando, ao mesmo tempo que ressaltam seu isolamento mútuo no filme ambientado na década de 1970.
Inspirado por um de seus heróis de todos os tempos, Hayao Miyazaki, que concebeu a noção de “ma”, ou um momento de descanso em uma história, Hemingson credita à lenda da animação o uso do silêncio ao escrever. “A escolha de desacelerar e ficar em silêncio em um filme de animação parece quase antitética ao meio”, diz ele. “Mas é uma técnica narrativa que permite ao público acompanhar e ponderar certas coisas de uma forma que fundamenta o fantástico e amplifica o emocional. Quanto mais você esclarece o diálogo, mais deixa espaço para sentimentos.”
Hemingson aponta para uma cena do filme em que o personagem de Sessa, Angus, está sentado sozinho na capela da escola, observado sem saber pela personagem de Randolph, Mary, enquanto ela contempla a morte de seu filho.
“É quase como música – os músicos trabalham com uma tela de silêncio, a forma como preenchem esse silêncio provoca certas emoções”, diz Hemingson. “Eu queria que fosse um descanso nessa sinfonia, onde tudo ficou quieto e nós permitimos que isso acontecesse e temos esses dois solistas lindos (Randolph e Sessa) preenchendo aquele silêncio sem falar, eles estão enchendo aquele silêncio de emoção. ”
Randolph percebeu os momentos de silêncio na página quando ela leu o roteiro pela primeira vez.
“Você está vendo um diálogo e então há um momento no roteiro em que ele se transforma em prosa, quase como um romance”, diz Randolph. “É uma narrativa profundamente descritiva para os momentos de silêncio.” Ela conversou com Payne sobre como abordar esses momentos, e ele enfatizou o quão importantes eram para ele essas oportunidades de aparecer nos personagens em momentos de solidão.
“Minhas cenas favoritas de dirigir não são apenas sem palavras, mas muitas vezes envolvem dirigir uma pessoa de cada vez”, diz Payne. “Gosto da velha máxima: ‘Caráter é quem você é quando ninguém está olhando’”.
Payne diz que reconheceu imediatamente que os detalhes que Hemingson colocou na página seriam facilmente traduzidos para a tela. “Há uma conexão extremamente importante entre design de produção e desempenho. Os atores devem sentir que conhecem seus ambientes”, diz ele. “Sempre ouvimos falar de atores criando seus personagens de ‘fora para dentro’, mas esse ‘fora’ não se limita às peças de roupa e aos penteados.”
Ecoando Payne, Randolph diz que seu quarto “não era apenas um cenário. Era uma atmosfera muito bem vivida e altamente detalhada. Tive então que aprender como me sentir confortável e possuir o espaço.” Ela indicou que a direção sem pressa de Payne lhe deu ampla oportunidade de retratar Mary. “Tudo recebeu o tempo adequado, senão mais, para dar o que o momento exigia.”
O silêncio também fornece um tecido conjuntivo entre o público e os personagens em histórias onde as regras tradicionais do naturalismo ou do realismo não se aplicam necessariamente.
Adaptando o romance “Strangers”, de Taichi Yamada, de 1987, “All of Us Strangers”, do escritor e diretor Andrew Haigh, retrata um jovem chamado Adam (Andrew Scott) vacilando entre um passado imaginado com seus pais falecidos e o presente provisório de um novo relacionamento com seus pais. vizinho Harry (Paul Mescal). Haigh explora temas de perda, solidão e amor redentor sem cair nos tropos comuns de viagens no tempo ou histórias de fantasmas.
O editor Jonathan Alberts trabalhou com Haigh para aproveitar momentos não ditos que conectam as transições de Adam de uma realidade para outra. “Muitas dessas conversas tinham a ver com diálogo e com a ausência de diálogo”, diz Alberts, um dos colaboradores frequentes de Haigh. “Focando mais nesse tipo de estado de sonho sem palavras e criando uma espécie de poema sonoro, queríamos um certo deslocamento.”
Exercitando efeitos sutis como som fora de sincronia, iluminação, foco e outros elementos, Haigh, Alberts e o diretor de fotografia Jamie Ramsay criaram uma soma dessas transições que resultou em algo maior do que suas partes individuais.
“Porque não são apenas transições para ir de um lugar para outro, é sempre sobre o que está acontecendo emocionalmente com o personagem”, diz Alberts. “Onde queremos começar e onde queremos chegar?”
Reconhecendo sua responsabilidade específica de capturar não apenas imagem e movimento, mas também emoção, Ramsay trabalhou com Haigh durante toda a produção para criar momentos poderosos, alguns utilizando um panorama completo de técnicas e outros reduzindo vários elementos. “Sinto que há muita força naquilo que está sendo contido. As pessoas subestimam a inteligência do público e tenho a forte convicção de que não deveríamos fazer isso”, diz ele. No final, Haigh, Alberts, Ramsay e seus colegas artesãos trabalharam com sucesso em conjunto para transmitir a complexidade da jornada de Adam – talvez ironicamente, amplificando os silêncios do filme.
“Confie que a sombra significa tanto quanto a luz, o silêncio significa tanto quanto o ruído, a quietude significa tanto quanto o movimento”, diz Ramsay. “Tudo isso é muito importante.”
